Retrospective Conversion
Donnerstag, 12. Dezember, 19 Uhr: Künstlergespräch mit Pater Georg Maria Roers SJ
Künstlerseelsorger & Kunstbeauftragter des Erzbistums Berlin
23. November 2019 – 21. Dezember 2019
Donnerstag bis Freitag 15 – 19 Uhr, Samstag 14 – 19 Uhr
Im Laufe der Jahre hat sich einiges angesammelt in den Regalen, Kartons und anderen archivarischen Bauten des Ateliers. Da liegt Ver- aber nicht Fortgeworfenes neben den großen Würfen, da stapeln sich Leuchtkästen und Objekte, sanft lehnen schweigend verhüllte Leinwände und die Schubladen des Planschrankes öffnen sich schwer unter der Last des eingelagerten Papiers. „Retrospective Conversion“, übersetzt: „Altbestandsarchivierung" lautet der sachliche Titel der Ausstellung von Thilo Droste und umreißt präzise dessen Intention einer Inventur, Bestandsaufnahme, einer Kartografierung des getanen Werkes.
Nur bewaffnet mit einem Stift, dem Material, das wir mit dem Ephemeren und Skizzenhaften verbinden, führt der Künstler diese Überprüfung durch und bündelt so seine Arbeiten, die in ihrer Diversität häufig so anmuten, als hätten sie ganz verschiedene Urheber, zu einer einzigen Wandzeichnung. Das Thema der Selbstreflexion und Selbstbefragung, das das Werk von Thilo Droste wie kaum ein anderes durchzieht, wird dabei in der Ausstellung explizit behandelt. In der Ausstellung „Retrospective Conversion“ findet eine Spiegelung auf subtile Weise statt, wenn durch die hier wahrnehmbare Teilung der (Künstler-)Identität in ein vergangenes, ein gegenwärtiges und künftiges Ich die anfängliche Annahme einer Einzelausstellung rekonfiguriert wird. Bekannterweise verstehen wir die meisten Dinge erst im Rückblick, während uns die Gegenwart in Atem hält und das Morgen bereits bedacht sein möchte. Das Paradoxon der sich selbst überschneidenden Zeit in unserem Sein und Handeln ist fein in die Linien der Zeichnung verwoben, die gleichermaßen Retrospektive wie neue Arbeit darstellt.
Bilder: © Henning Moser
Parallex: der Abstand zwischen dem Scheinbaren und dem Wahren
Alison Woods und Alke Brinkmann
Eröffnung am Freitag, den 25. Oktober 2019, 19 – 22 Uhr
26. Oktober 2019 – 16. November 2019
Donnerstag bis Freitag 15 – 19 Uhr, Samstag 14 – 19 Uhr
Samstag, 16. November, 20 Uhr: Gesprächsstoff Farbe
„Farbe und Licht“ mit Alke Brinkmann, Dr. Konrad Scheurmann, Hansjörg Hartung
und Victor Kégli
Parallex: der Abstand zwischen dem Scheinbaren und dem Wahren
Der menschliche Geist ist ständig damit beschäftigt, die Umstände unserer Existenz in Frage zu stellen. Ob metaphysisch oder wissenschaftlich, der Verstand verlangt eine Erklärung. Die Wissenschaft wird zur neuen Religion, wenn der vernünftige Geist den spirituellen überschattet. Die Quantenphysik wird oft als der Ort angepriesen, an dem sich das Wissenschaftliche und das Metaphysische überschneiden, um eine Sichtweise der Realität zu bilden, die gleichzeitig irrational und rational ist.
Gesprächsstoff Farbe #1: Farbe und Licht
Gesprächsrunde mit anschließender Diskussion
mit Alke Brinkmann (Künstlerin), Hansjörg Hartung (Ausstellungsgestalter und Bühnenbildner),
Victor Kégli (Künstler und Lichtdesigner) und Dr. Konrad Scheurmann* (Kunsthistoriker)
am Samstag, den 16. November 2019 um 20 Uhr
Wie werden Ausstellungen zu besonderen Erlebnissen? Die größte Konkurrenz zum Kunstgenuss ist die eigene Couch. Wie lockt man die Menschen aus ihrer Wohlfühlzone in die Museen und Galerien. Welche Bedeutung haben Farbe und Licht dabei? Der Ausstellungsgestalter Hansjörg Hartung hat gemeinsam mit dem Lichtdesigner Victor Kégli Anfang dieses Jahres die Ausstellung „MANTEGNA und BELLINI. Meister der Renaissance“ in der Gemäldegalerie in Szene gesetzt. Diese Ausstellung zog in 4 Monaten 190.000 Besucher_innen an.
Wir diskutieren über die Kunst der Präsentation mit Licht und Farbe und welchen Beitrag diese leistet, Kunstgenuss zu initiieren und zu steigern.
Die Veranstaltungsreihe Gesprächsstoff Farbe
In der Veranstaltungsreihe Gesprächsstoff Farbe werden verschiedene Aspekte von Farbe im Kontext der wechselnden Ausstellungen bei Axel Obiger beleuchtet und zur Diskussion gestellt. Die Reihe wird in Kooperation mit Dr. Konrad Scheurmann* entwickelt.
Farbe und Licht findet im Kontext der Ausstellung Parallex: der Abstand zwischen dem Scheinbaren und dem Wahren von Alke Brinkmann und Alison Woods statt.
*Dr. Konrad Scheurmann ist unter anderem ehemaliger Leiter des documenta Archivs der Stadt Kassel, Kunsthistoriker und Kurator zahlreicher Ausstellungen zur Kulturgeschichte der Farbe und Mitherausgeber des Buches „Gesprächsstoff Farbe“. Dieses widmet sich über den Zeitraum der letzten 250 Jahre den vielfältigen Aspekten, in denen Farbe und das sie erzeugende Licht die alltägliche Dingwelt, Werke der Kunst, der Gestaltung und Architektur, gesellschaftliche Strukturen und Verhaltensweisen, die Bild-Sprache und Vermittlung der hoch spezialisierten Human- und Naturwissenschaften sowie unseren Stadtraum und die Wahrnehmung unserer Umwelt prägen. („Gesprächsstoff Farbe – Beiträge aus Wissenschaft, Kunst und Gesellschaft“, herausgegeben von André Karliczek und Konrad Scheurmann, Böhlau-Verlag, 2017.)
FRAME / ing
Ausstellung mit Antje Blumenstein (Faltung), Ines Doleschal (Zeichnung/Collage),
Knut Eckstein (Installation), Jay Gard (Skulptur), Ina Geißler (Foto Cut-Out),
Harriet Groß (Installation) und Hansjörg Schneider (Cut-Out/Collage)
Eröffnung am Freitag, den 13. September 2019, 19 – 22 Uhr
14. September 2019 – 12. Oktober 2019
Zusätzliche Öffnungszeiten während der Berlin Art Week
am Sonntag, den 15. September 2019, 13 – 16 Uhr
Schon für Alberti war das Bild das Fenster zur Welt. Heute untersuchen wir die Rahmen, die uns bei der Informationsverarbeitung und dem Wissenserwerb unterstützen Interpretationen und moralische Bewertungen für komplexe Zusammenhänge zu entwickeln. Wie bilden wir solche Frames und strukturieren bzw. selektieren in diesen Kontexten? Wie beeinflusst dabei die Sprache als Rahmen die Bedingungen unserer Wahrnehmung und damit unserer Dispositive? In der Kunst hat seit der Avantgarde der Vorgang eines Framings und Deframings dazu geführt, dass alles zur Kunst wurde und stellt damit die Frage nach unserer Manipulierbarkeit durch die Setzung derartiger Rahmenbedingungen auch in anderen gesellschaftlichen Kontexten. Zu diesen alten noch immer virulenten Fragen hat Harriet Groß Künstlerinnen und Künstler eingeladen, um aus unterschiedlichen bildhaften Medien heraus einen Diskurs auszulösen.
Antje Blumenstein arbeitet mit einer reduzierten Formensprache. Hier zeigt sie mit ihren sehr präzise gesetzten Faltungen in der Serie „lines“ von 2019, wie sich aus dem unbeschriebenen weißen Blatt, alleine durch den unterschiedlichen Licht- und Schatteneinfall in erstaunlicher Weise Räume eröffnen können. Ihre durch Falzung entstehenden Kanten und Vertiefungen bieten ein Gerüst zur Lesbarkeit der scheinbaren Leere im Weiß. Die zunächst in der Fläche vorgenommenen Eingriffe steigern sich noch in der Arbeit „folded 04“ von 2018, in der nun der Raum mittels einer silbernen Linie gefaltet wird und die Durchlässe damit zu möglichen Rahmen oder Eintritten in weitere Räume werden.
Ines Doleschal gelingt es in ihrer Serie Form folgt (2018) konsequent zu reduzieren. Umgeben von einem Übermaß an flüchtigen und reizintensiven Bildern im Alltag und Großstadtleben ist die Konzentration auf ein Weniges – Kohleflächen, Architekturparaphrasen, Papierstreifen und minimale Farbigkeit – ein künstlerischer Gegenentwurf. Die räumlichen Details sind realen Gebäuden nachempfunden. Die samtige Schwärze des Kohlestaubs überdeckt alles Überflüssige, doch ohne ein brachiales Tabula Rasa aller Stilmittel und Bildgegenstände. So gibt es im Wenigen Andeutungen, die unaufdringlich und diskret sind und weder zur Anekdote verführen noch in einen Bedeutungskontext pressen. Für sie ist Form folgt auch ein persönliches „Manifest“, von Formklarheit und –kraft, das alles Verquaste und Chaotische ausschließt zugunsten von Einfachheit und Fokussierung.
Knut Eckstein will Grenzen überschreiten und beim Betrachter bestehende Rahmen sprengen. Seine raumfordernde Arbeit „cafe morning star BOCKWURST“ (2019) platziert er bewußt hinter und über dem Tresen, einem Ort, der eng und anderen Funktionen zugedacht ist. Er überfrachtet mit dieser aus einfachen Gebrauchskartons zusammengeschnürter Konstruktion den Raum. Zugleich erreicht dies wundersame Gebilde einen scheinbar schwebenden Zustand. Mit seiner bewußt schnodrigen farbigen Übermalung fügen sich die Einzelteile zu einer plastischen Gesamtheit, die unter der Spannung der Wäscheleine für diesen Moment eine erstaunliche Stabilität erreicht. Seine Arbeiten sind oft ephemer, sein Material sammelt er auf der Straße. Die in unserer Gesellschaft vorgegebenen Codierungen, die auf diesem Material noch als Zeichen erkennbar sind, werden in neue Zusammenhänge gesetzt, die existierenden Rahmen entgrenzt oder auch einfach negiert.
Jay Gard geht analytisch vor. In seinen Farbflippern, hier „Flipper Münter“ (2019), zerlegt er das Gemälde „herbstliches Blumenstilleben“ von Gabriele Münter aus dem Jahr 1912 in dessen farbige Grundelemente, um diese dann in einem fortlaufenden gleichmäßigen Prozess als dreidimensionales Objekt wieder zu konstruieren. Neue Bilder entstehen, in dieser von einem akustisch lautem Klacken begleiteten Bewegung, verursacht durch das Umklappen der einzelnen präzise handgestrichenen Farbtafeln, gleich einem Metronomschlag. Die Bilder treten aus ihrem ursprünglichen Rahmen, an den nur noch ansatzweise die Metallkonstruktion der Halterung erinnert. Gard gelingt in seinen von einer strengen geometrischen Formensprache geprägten Werken, den Farbkreisen, Farbflippern, großformatigen Plastiken und raumgreifenden Installationen, die spannende Verknüpfung eines rationalen Ansatzes mit einer ästhetisch überzeugenden eigenen Umsetzung.
Ina Geißler führt in ihren Arbeiten „Wer immer ist“ und „Der offene Blick“ , beide aus dem Jahr 2016 , die Sprache auf ihre Grundelemente die Buchstaben zurück, die sich aus der gewohnten Wort-, Satzstruktur zu lösen scheinen, um sich in langen Ketten aneinanderzureihen und so zu abstrakten Gebilden zu werden. Sie werden von der Künstlerin als reliefartige Cut-Outs aus beidseitig bedruckten Papieren geschnitten. Indem einzelne Buchstaben auf jeweils unterschiedliche Weise aus der Fläche herausgefaltete werden, entstehen so durch die subtilen Eingriffe nicht nur neue Wortspiele, welche den Blick unter die Oberfläche leiten, sondern auch wunderbare fast wachsend anmutende Strukturen, die sich jeglicher Sprachebene entziehen.
Harriet Groß ruft mit ihrer Installation „Gischt“ (2019) widersprüchliche Bilder auf. Zum einen bietet sie eine klare reduzierte Linienstruktur an, die mit der Wahl von eloxierten rosa-grau-schwarzem Metall zwischen Privatheit und abstrakter Kühle changiert. Zum anderen evoziert sie mit dem Bildhintergrund einer abgenutzten Pappe und den gleichgültig abgestellten Bildern einen Zustand von Unfertigem und Zufälligem, in der Form eines Lagers, in dem sich visuelle Erfahrungen verschiedenster Realisierungsstufen wiederfinden und überlagern. Wie das in seiner Struktur schwer fassbare Element des Wassers, auf das alle Bilder rekurrieren, ändern sich auch die Lesarten der Bilder. Je nach Standpunkt werden sie durch die rauchigen Töne der Plexiglasrahmen ins Reich der Schatten, des kaum noch Wahrnehmbaren geholt und im Extremfall von lapidar gesetzten weißen Flächen teilweise überdeckt, die genau dort Leerstellen aufmachen, wo eigentlich Information und Bedeutung vermutet wird. Mit dem Metall Cutout Zitat von Audioguides, die einen durch das Lager führen, kann das framen aufs neue beginnen.
Hansjörg Schneider`s Ausgangspunkt seiner 2019 entstandenen Serie „Depeschen“ ist das Informationsübertragende Medium der Zeitung. In unserer immer stärker von Bildern geprägten Öffentlichkeit nimmt er Zeitungsfotos als Material für seine Cutouts, aus denen er architektonische Strukturen herauslöst und diese als Collagen in neue Zusammenhänge setzt. Um die jeweiligen Fotos lässt er einen umlaufenden Rahmen stehen. Dieser Rahmen, ob breit oder filigran, teilweise mit Text am unteren Rand, wurde für ihn zum typischen Merkmal des Zeitungsfotos – eine Reminiszenz an die Arbeit des Layouters, der das Format des Fotos durch einen leeren Rahmen festlegt, dessen Eckpunkte ein diagonales Kreuz verbindet. Der Rahmen taucht wieder auf in den Collagen: aufgeklebt, aufgebrochen, sich vielfach überlappend oder auch als massiver Block. Er wird zum konstruktiven Element der Zeichnung. Er verliert seine ursprüngliche Funktion, aber er gewinnt eine neue lineare Existenz im Gefüge des Blattes.
carte blanche
Matthias Moravek & Johannes Weiß
Eröffnung am Freitag, den 9. August 2019, 19 – 22 Uhr
10. August 2019 – 7. September 2019
Samstag, 7. September 2019, 19 Uhr: Gesprächsstoff Farbe
Buchpräsentation und Farbperspektiven mit Dr. Konrad Scheurmann,
Historische Farbstoffsammlung der TU Dresden
im Anschluss Finissage
carte blanche
Matthias Moravek und Johannes Weiß nehmen sich die Freiheit.
In der ersten Ausstellung nach der Sommerpause werfen sich der Berliner Maler und der Berliner Bildhauer künstlerisch die Bälle zu. Sie jonglieren dabei auf spielerische Art und Weise mit farbigen und weiß bleibenden Formen, Körpern und Flächen. Gleichzeitig ist beiden künstlerischen Positionen eine formale Strenge gemein, die zu einer präzisen Bildsprache führt.
Während Moravek mit skulptural anmutenden Bildelementen arbeitet und teils sogar explizit modernistische Skulpturen zum Bildmotiv macht, enthalten die Skulpturen von Johannes Weiß durch die Art ihrer farbigen Bearbeitung – in Form verlaufender Malspuren – häufig einen direkten Verweis auf das Medium Malerei.
Der kontrastierende Umgang mit weißen Flächen und Körpern in beiden Positionen umreißt und definiert das Gezeigte und verortet die Arbeiten zwischen Positiv und Negativ, An- und Abwesenheit. In der Ausstellung entsteht so ein spannungsreicher Dialog zwischen Malerei und Skulptur, der das Kraftfeld zwischen Farbe und Form auf spielerische Art und Weise offenlegt.
Matthias Moravek arbeitet in seiner Malerei an einer Verdinglichung des Abstrakten. Seine Arbeiten sind stark aus der Farbe gedacht und changieren stets zwischen einer klaren bildnerischen Ausformulierung von Motiven und deren Verrätselung. Dabei macht Moravek die unterschiedlichen Schichten des Arbeitsprozesses bis hin zur grundierten Leinwand sichtbar, sodass die Arbeiten quasi ihren eigenen Index in sich tragen. Durch die Gleichzeitigkeit in der Wahrnehmung, verdichtet sich so die Zeitspanne ihrer Entstehung auf einen Moment.
Moravek bezieht sich in seiner Arbeit auf einen großen Fundus bildnerischen Archivmaterials, von digitalen Bildwelten über naturwissenschaftliche Dioramen bis hin zu Landschaftsdarstellungen, die tief in die Geschichte der Kunst zurück reichen.
Matthias Moravek ist seit 2017 Künstler bei Axel Obiger.
Bei Johannes Weiß trennt sich der weiße Sockel von der farbigen Skulptur. Er dekliniert dabei eine eigene Formensprache durch, die Anleihen nimmt bei konkreter Kunst, geometrischer Abstraktion und einem modernistischen Formenvokabular.
Die Titel der Werke öffnen für jede Arbeit einen fast poetisch anmutenden Assoziationsraum ohne dem Betrachter den eigenen Weg zur Auseinandersetzung zu versperren. Die skulptural-architektonische Bearbeitung der Sockel macht diese zum integralen Bestandteil der Arbeiten. Johannes Weiß löst durch diesen Umgang mit Skulptur und Sockel auf elegante Art und Weise eine der grundlegenden Fragestellungen der Bildhauerei seit der Moderne.
„Gesprächsstoff Farbe“
Buchvorstellung und Farbperspektiven mit Dr. Konrad Scheurmann
Dr. Konrad Scheurmann ist unter anderem ehemaliger Leiter des documenta Archivs der Stadt Kassel, Kunsthistoriker und Kurator zahlreicher Ausstellungen zur Kulturgeschichte der Farbe und Herausgeber des Buches „Gesprächsstoff Farbe“*. Dieses widmet sich über den Zeitraum der letzten 250 Jahre den vielfältigen Aspekten, in denen Farbe und das sie erzeugende Licht die alltägliche Dingwelt, Werke der Kunst, der Gestaltung und Architektur, gesellschaftliche Strukturen und Verhaltensweisen, die Bild-Sprache und Vermittlung der hochspezialisierten Human- und Naturwissenschaften sowie unseren Stadtraum und die Wahrnehmung unserer Umwelt prägen.
„Gesprächsstoff Farbe“ gibt zudem einen Ausblick auf die gleichnamige Veranstaltungsreihe, die ab Herbst bei Axel Obiger startet und die wir gemeinsam mit Dr. Konrad Scheurmann planen.
*„Gesprächsstoff Farbe – Beiträge aus Wissenschaft, Kunst und Gesellschaft“, herausgegeben von André Karliczek und Konrad Scheurmann, Böhlau-Verlag, 2017
ALMOST SPARKLING
Axel Obiger (Berlin) meets Durden and Ray (Los Angeles)
Carlos Beltran Arechiga · Dani Dodge · Thilo Droste · Ed Gomez
Harriet Groß · Gabriele Künne · Matthias Moravek · Enrico Niemann
Max Presneill · Maja Rohwetter · Alison Woods
Eröffnung am Freitag, den 7. Juni 2019, 17 – 22 Uhr
7. Juni 2019 – 23. Juni 2019
Während der Sommerpause bleibt die Ausstellung für Sie durch unser Schaufenster sichtbar.
Im letzten Jahr begann der Austausch zwischen Projekträumen aus Berlin und Los Angeles mit der Ausstellung CO/LAB III im Torrance Art Museum in Los Angeles. Dieser wird nun mit einem Festival in Berlin fortgesetzt. Die teilnehmenden Berliner Kunsträume laden dabei Art Spaces aus Los Angeles in ihre Räumlichkeiten ein, dort gemeinsam ein eigens dafür entwickeltes Ausstellungskonzept zu realisieren.
Im Rahmen von B-LA CONNECT kooperiert Axel Obiger mit Durden and Ray, einem der profiliertesten Projekträume in LA. Beide Räume existieren seit 10 Jahren und konzentrieren sich auf den künstlerischen Austausch zwischen zeitgenössischen Kunstpositionen auf internationaler Ebene.
Die Ausstellung ALMOST SPARKLING versammelt künstlerische Positionen aus beiden Räumen und konzentriert sich auf die Stadt LA – glitzernd, voller Goldstaub und glamourös. Also als Ort und Fläche eigener Projektionen und Klischees...
Eine Ausstellung im Rahmen von
Space Invaders
Vorträge und Präsentationen zur Untersuchung von Denk- und Wahrnehmungsstrukturen realer, sozialer und fiktionaler Räume
Bild: GUP-py . Detail aus „Reisehund in Berlin“, 2018
Sa, 25.05.2019
GUP-py [Künstlerin] . Buchpräsentation „Reisehund in Berlin“ aus der Reihe „Werke: Kunst und Poesie“, 2018
Maja Rohwetter [Medientheorie] . Quergesehen: Strategische Transfers in Malerei, Animation und Kommunikationsdesign
Mo, 27.05.2019
Florian Wüst [Filmkurator] . Screening zur Stadterneuerung der 1960/70er Jahre am Beispiel des „Sanierungsgebiets Wedding-Brunnenstraße“ – europaweit größtes Sanierungsgebiet seiner Zeit
Di, 28.05.2019
Dr. Anne Brannys [Kuratorin] und Konrad Angermüller [Designer] . Projektvorstellung und Diskussion „Enzyklopädische Architekturen – Konstruktionen des Wissens und ihre Gestaltung“
Beginn jeweils 19 Uhr | Ausstellung vom 25. Mai 2019 bis 1. Juni 2019
Samstag, 25. Mai 2019, 19 Uhr
GUP-py [Künstlerin]
Künstlerbuchpräsentation „Reisehund in Berlin“ Entdeckungsreise zu Hause – Suche nach der Faszination in Zwischenräumen in Berlin
Im Künstlerbuch „Reisehund in Berlin“ von GUP-py – alias Yoko Hata – finden sich Fotos von Orten in Berlin, die laut der Künstlerin eine „Unterwegs-zu-sein“-Stimmung ausstrahlen – das Gelände des „Tempelhofer Feldes“ als ehemaliger Flughafen („der Ort bis heute“), der neu entstehende internationale Flughafen Berlin-Brandenburg („der Ort ab heute“), die Spree-Wasserstraße, das Freiluftkino Pompeji, Baustellen am Axel Springer Campus, etc. – all dies sind Orte, die in ihrer Geschichte Bewegung implizieren. Trotzdem sie sich in einem dichten Stadtraum befinden, herrscht dort eine gewisse Stille, da sie der Aufmerksamkeit der meisten Menschen in ihren alltäglichen Abläufen entzogen sind.
Dieses Buch kann als ein Reiseführer zu Un-Orten in Berlin gelesen werden.
Ein weiterer Protagonist dieses Buches ist der von GUP-py erfundene Reisehund. Er ist unsichtbar und lebt im Herzen jedes Menschen. Er erweckt die Reiselust des Herrchens, um ihn auf seiner Entdeckungsreise zu begleiten. Der unsichtbare Reisehund nutzt als Vehikel einen Koffer mit Luftlöchern, der sich in dieser abstrakten Form überall in die Berliner Landschaften einfügt.
Bild: GUP-py . Detail aus „Reisehund in Berlin“, 2018
Samstag, 25. Mai 2019, 20 Uhr
Maja Rohwetter [Medientheorie]
Quergesehen – ein visueller Trip durch Malerei, Kommunikationsdesign, Animation und Film
Seherfahrungen in virtuellen Welten sind heute zu einem der physischen Realität gleichbedeutenden Bezugsrahmen für künstlerische Bildproduktion geworden. Gleichermaßen kann man in der virtuellen Bildproduktion eine Hinwendung zum Materiellen und Prozesshafen beobachten – der Messestand von Sony auf der ifa 2018 war aus rohem Holz, darauf eine Projektion von einer Aquarell-Animation. In ihrer Arbeit als Künstlerin und als Lehrende im Medienbereich ist Maja Rohwetter auf visuelle Korrespondenzen und strategische und inhaltliche Transfers von Malerei, Animation, Film und Kommunikationsdesign gestoßen. Einige dieser Phänomene möchte sie in ihrem Vortrag vorstellen.
Maja Rohwetter ist seit 2011 Mitbetreiberin des Projektraums Axel Obiger, Berlin. Neben ihrer Malerei unterrichtet sie Mediendesign und Medientheorie. Sie forscht im Bereich einer zeitgemäßen Bildsprache, die Seherfahrungen in Virtualität und Realität gleichermaßen einbezieht.
Installationsansicht Maja Rohwetter „space oddity“, Bild: Carl Henrik Tillberg
Montag, 27. Mai 2019, 19 Uhr
Florian Wüst [Filmkurator]
Filmscreening zur Stadterneuerung der 1960/70er Jahre am Beispiel des „Sanierungsgebiets Wedding-Brunnenstraße“
Gezeigt werden zwei Filme des Regisseurs Wolfgang Kiepenheuer: Stadterneuerung Berlin - Beispiel Wedding (1966) und Sanierung im Berliner Wedding – Ein Erfahrungsbericht (1975). Die jeweils 25-minütigen städtebaulichen Informationsfilme entstanden im Auftrag des Presse- und Informationsamtes des Landes Berlin sowie des Wohnungsunternehmens Degewo und dokumentieren die Ereignisse um Abriss, Planung und Neubau im heutigen Brunnenviertel.
Die Sanierung des damals noch dreiseitig von der Mauer umgebenen Brunnenviertels war ein gigantisches Bauprojekt. Stadterneuerung Berlin - Beispiel Wedding schildert, „wie es zu den ungesunden Zuständen lichtarmer Hinterhofwohnungen kam und wie man versuchte, die vier Funktionen Wohnen, Arbeit, Erholung und Bewegung in idealer Weise zu vereinen“. Kiepenheuers Film aus dem Jahr 1975 versteht sich als Fortsetzung. Er lässt Betroffene zu Wort kommen und beleuchtet das Ergebnis der durch die „Kahlschlagsanierung“ eingeleiteten sozialen und wirtschaftlichen Veränderungen.
Das 1963 begonnene Bauprojekt bedingte die Umsiedlung eines Großteils der Bewohner*innen des Viertels. Die historischen Filme bieten einen Einblick in die Leitbilder, Strukturen und gebaute Wirklichkeiten einer städtischen Modernisierungspolitik, die nicht nur das Gesicht Berlins bis heute prägt.
Bild: Filmstill, Wolfgang Kiepenheuer 1966
Dienstag, 28. Mai 2019, 19 Uhr
Dr. Anne Brannys [Kuratorin]
Konrad Angermüller [Designer]
Projektvorstellung und Diskussion „Enzyklopädische Architekturen – Konstruktionen des Wissens und ihre Gestaltung“
»Ich bin so kühn, die folgende Lösung des alten Problems zu bedenken zu geben: Die Bibliothek ist unbegrenzt und zyklisch. Wenn ein ewiger Wanderer sie in irgendeiner beliebigen Richtung durchmäße, so würde er nach Jahrhunderten feststellen, daß dieselben Bände in derselben Unordnung wiederkehren (die, wiederholt, eine Ordnung wäre: Die Ordnung). Meine Einsamkeit erfreut sich dieser eleganten Hoffnung.« (J. L. Borges)
Im Fokus des künstlerischen Forschungsprojektes »Encyclopedic Architecture« steht eine Untersuchung räumlicher Wissensordnungen und -repräsentationen, die dabei auf enzyklopädische Charakteristika befragt werden. Über historische architektonische Modelle wie Wunderkammer, Bibliothek und Archiv hinaus soll ein um kognitive und digitale Architekturen erweiterter Raumbegriff angewendet werden. Ziel ist es, Zusammenhänge und Abgrenzungen, Bedingungen und Möglichkeiten der verschiedenen Raumkonzepte und ihrer Gestaltung zu untersuchen, zu diskutieren und den Diskurs durch eigene theoretische wie praktische Impulse zu erweitern.
Im Vortrag wird u.a. die Arbeit mit Studierenden der Fakultät Kunst & Gestaltung an der Bauhaus-Universität Weimar im gemeinsamen Wissenschaftsmodul von Konrad Angermüller und Anne Brannys vorgestellt, in der die exemplarische (künstlerische) Untersuchung von Wissensarchitekturen – individuellen wie kollektiv genutzten – im Mittelpunkt steht.
Bild: Anne Brannys „Encyclopedic Architecture Visual I“
KONSTRUKTION
Juliane Duda | Martin Dörbaum
Eröffnung am Freitag, den 19. April 2019 von 19 – 22 Uhr
Finissage am Samstag, den 18. Mai 2019 von 18 – 21 Uhr
20. April 2019 – 18. Mai 2019
Die nächste Dialogausstellung führt foto-grafische Arbeiten von Juliane Duda und Martin Dörbaum zusammen, die sich mit Konstruktionen gesellschaftlicher Grenzziehungen (und -überschreitungen) befassen. Solche finden im virtu-realen Raum statt, ästhetisch wie auch sozial.
Juliane Dudas neueste Bildreihe „Sechs Zentrale Motive“ handelt auch von DEM Kurhaus in Ahrenshoop. Ab den 1970ern eine ‚Strandperle‘ im Zentrum gewerkschaftlich generierten Massentourismus stand es in diesem Jahrtausend dann leer und verschwand. Seine repräsentativ-moderne Bauweise war behaglich-transparent und auch Ausdruck fortschrittlicher Zukunftsgewissheit. Deren architektonisches Strukturprinzip lag nun kurz vor dem Abriss brach, ist aber bei Duda im bildnerischen aufgehoben und eingeschrieben. Die Kadrierung des Serienbildes hat auch mit der modularen Erscheinung des damaligen Stahl-Glas-Betons zu tun. Denn Dudas fotografische Arbeiten sind nicht Abbilder schwindender Bauten sondern als Projektionsfläche eigener Räume angelegt. So und hier wird das Augenfällige in einem mehrstufigen Verfahren ins Ästhetische und Virtuelle getrieben.
Martin Dörbaums Serie „Massnahmen“ bildet Dinge ab, die dazu dienen sollen, Menschen zu einem gewünschten Verhalten zu erziehen – durch drohende Verletzungen oder andere Unannehmlichkeiten. Und nicht durch positive Anreize und attraktive Regeln. Hier sind es Vergegenständlichungen einer zumeist älteren, archaischen Verhaltensökonomie. Menschen sollen danicht durch Belehrung zivilisiert werden. Die Internalisierung von Verhaltensnormen erfolgt nicht über rationale Impulse sondern körperliche.
Die Bildreihe zeigt aber nicht nur „Massnahmen“, die die Kultivierung menschlichen Verhaltens als Ziel haben, sondern auch solche zur Disziplinierung von Tieren. Eine Gleichsetzung mit Aussagekraft.
Satellit #9: Umschweifen
Susanne Schär & Peter Spillmann
Eröffnung am Freitag, den 15. März 2019 von 19 – 22 Uhr
Finissage am Samstag, den 13. April von 18 – 21 Uhr
16. März 2019 – 13. April 2019
Etwas umkreisen, ab und zu abschweifen, Umwege gehen und verzögernd, langsam annähern.
Der Raum und dessen Wahrnehmung nimmt in den Arbeiten von Susanne Schär & Peter Spillmann einen zentralen Platz ein. Dabei geht es ihnen nie nur um Architektur und Form. Mit reduzierten
Eingriffen in die gegebene Situation evozieren sie weitere Lesarten, verweisen im übertragenen Sinne auf soziale und mentale Räume und die dadurch hervorgerufenen Vorstellungen.
Für Axel Obiger wird die räumliche Ausgangslage zoniert. Es gibt ein Davor und ein Dahinter. „Shifting“ ist ein beweglicher Raumteiler, der mit der Dimension des Raumes spielt und
nebensächliche Details aufnimmt.
Dazu werden weitere Arbeiten mit thematischem Bezug gesetzt. Zum einen wird mit der fotografischen Serie „Scanning Landscape“ in ihrer Abfolge die Raumlänge bespielt. Es sind Abbildungen, die
durch die fehlerhafte Technik der Panorama-Aufnahme bei hoher Geschwindigkeit im Zug oder bei einer Autofahrt generiert werden. Dabei entsteht, durch aneinander gereihte Bildausschnitte einer
Landschaft, eine Art Ornament mit meist wiederholenden und abstrahierten Teillandschaften. – Die so festgehaltenen Bilder widerspiegeln in ihrer gerafften Zeitspanne die Allsicht in einem
Augenblick.
„Walkabout“ ist eine mehrteilige Arbeit, bestehend aus skulpturalen Gipsobjekten. In ihrer handlichen Form erinnern die einzelnen Teile an Kletterwandgriffe oder auch an Computermäuse,
allesamt Formen, die eine haptische Wahrnehmung provozieren. Wie ein Pfad, arbeitsübergreiffend im Raum inszeniert, ermöglicht diese Installation ein gedankliches Abschreiten des
Raumes.
Es sind allesamt Arbeiten aus dem aktuellen Schaffen. Offen bleibt, ob vor Ort noch dazu interveniert wird.
Danke für die Unterstützung der Künstler*innen durch den Kanton Uri.
Bild: Aus der Serie „En route“ – Visual Blog www.notes.supe.ch
on the road
Gabriele Künne & Jessica Backhaus
Eröffnung am Freitag, den 08. Februar 2019 von 19 – 22 Uhr
09. Februar 2019 – 09. März 2019
on the road als Begriff für eine nicht festgelegte, nicht geregelte künstlerische Reise, die von einer Sehnsucht nach Wildheit, Freiheit und Intensität getrieben wird. Eine künstlerische Reise, die eine permanent suchende und offene künstlerische Praxis beinhaltet, obwohl sie gleichzeitig klare Richtungen und Fixpunkte hat. Auf der einen Seite die ganze Welt, ein ausgedehntes Chaos – auf der anderen Seite eindeutige Strukturen und Vorgehensweisen.
Während Jessica Backhaus alltägliche Gegenstände und räumliche Situationen fotografisch in poetische Bilder transformiert, experimentiert Gabriele Künne mit den konstruktiven und assoziativen
Möglichkeiten von Fläche und Form in der keramischen Bildhauerei.
Sowohl die Fotografien aus der Serie Symphony of shadows als auch die keramischen Objekte aus der Serie Best Friends_2 spielen mit den Mechanismen der Wahrnehmung und stellen
für den Betrachter eine Vielfalt an Assoziationen bereit. Scheinbar nebensächliche Dinge wie Rohre und Wäscheleinen erhalten bei Jessica Backhaus durch die Wahl des Bildausschnitts, die
Farbigkeit sowie die Hervorhebung von Licht und Schatten eine abstrakte Qualität, die die Dinge zwar noch erkennbar, gleichzeitig aber auch zeichenhaft und entrückt erscheinen lässt. Die
abstrakten Objekte von Gabriele Künne dagegen entstammen keiner gegenständlichen Welt. Die gefalteten, gestauchten und geworfenen Flächen und Formen setzen sich mit der Frage nach dem
Planerischen unter Einbezug der prozesshaften Artikulation und Destruktion auseinander.
In Gegenüberstellung dieser beiden Positionen öffnet sich in dieser Ausstellung ein Fenster für ein zeitgenössisch-sinnliches Vokabular an Farben, Formen und Materialien.
Bilder: © Jessica Backhaus
„um die Häuser ziehen“ – mit Axel Obiger durch die Nacht
Fides Becker . Isabelle Borges . Alke Brinkmann . Lisa Denyer . Thilo Droste . Juliane Duda
Saeed Foroghi . Wolfgang Ganter . Maslowski/Grenzhaeuser . Harriet Groß . Sabine Herrmann
Gabriele Künne . Ronny Lischinski . Matthias Moravek . Enrico Niemann . Jennifer Oellerich
Manfred Peckl . Katrin Plavcak . Mariel Poppe . Maja Rohwetter . René Wirths . Oliver Zwink
Eröffnung am Freitag, den 18. Januar 2019 von 19 – 22 Uhr
M.O.G. (Mothers of God), am Sonntag, den 20. Januar 2019 um 20 Uhr
live electronics on sewing machines, Katrin Plavcak & Ulrika Segerberg
19. Januar 2019 – 02. Februar 2019
„um die Häuser ziehen“
Axel Obiger eröffnet das Ausstellungsjahr 2019 mit einem Blick in die Zukunft und einer Tour durch die Berliner Nacht. In der Gruppenausstellung „um die Häuser ziehen“ feiern wir mit alten, neuen und zukünftigen Weggefährten des Raumes die Möglichkeiten einer nächtlichen Begegnung. Die Arbeiten der Axel Obiger Künstler treten in Interaktion mit Positionen ausgewählter Gastkünstler*innen, die sich erstmals im Raum präsentieren. Auf diese Weise lädt die Ausstellung ein, neue Synergien zu entdecken und strebt einen lebendigen Austausch an.
Vitalzeichen
Josina von der Linden und Carolin Schneider
Eröffnung am Freitag, den 23. November 2018 von 19 - 22 Uhr
Finissage mit Lebkuchenverkostung
am Samstag, den 22. Dezember 2018 von 19 - 22 Uhr
24. November - 22. Dezember 2018
Vitalzeichen
Die Lebendigkeit eines Organismus ist von elementaren Lebensfunktionen abhängig. Atmung, Herzschlag, Körpertemperatur und Bewusstsein sind die wesentlichen
Vitalzeichen des Menschen. Sie sind messbar und damit graphisch darstellbar. Lebendige Prozesse können durch an- oder absteigende Linien visualisiert werden. Herzfrequenzen zeigen sich in
rhythmischen Kurven.
Beim Schreiben macht die Hand kreisende Bewegungen mit Ober- und Unterschwüngen.
Beim Zeichnen entstehen aus den Schwüngen Formen, denen wir Bedeutung verleihen können. Ebenso rufen wir die Welt in Worten auf, deren Bedeutung sich durch die Verschiebung von Klängen, bzw. Buchstaben kaleidoskopartig wandelt. In der Zusammenschau relativieren sich Richtungen und Bedeutungen. Wir versuchen die Spuren und Zeichen der inneren und äußeren Bewegungen zu bemerken und zu deuten. Dabei finden wir sowohl Widersprüchliches als auch Erhellendes sowie das Erscheinen der Dinge vor dem Benennen.
Carolin Schneider umkreist in ihren Zeichnungen den Bildraum als Ort paradoxer Täuschungen und des Bedeutungswandels. Sprachliche Identifizierungen werden ad
absurdum geführt. Figürliches befindet sich im Schwebezustand zwischen Erscheinen und Verschwinden. Entlang der Konturen von Wahrnehmung wird Wirklichkeit erschaffen, die mehrdeutig und
bruchstückhaft bleibt.
Josina von der Linden beleuchtet in ihren aktuellen Arbeiten - mittels Fotografie, Zeichnung, Assemblage sowie Audio/Videoarbeiten - Inhalte und Ästhetik
bildgebender wissenschaftlicher Verfahren, mit denen uns Phänomene außerhalb unseres Vorstellungsvermögens vermittelt werden sollen.
Tot oder lebendig? Diese zentrale Frage stellen Carolin Schneider und Josina von der Linden mit ihrer Ausstellung. Die beiden Künstlerinnen spüren in ihren
Arbeiten subtil humorvoll, teils spielerisch, manchmal ernst, die vielfältigen Vitalzeichen der sichtbaren und unsichtbaren Welt auf.
Pale Shelter
mit: Katrin Hoffert, Manfred Michl, Oliver Möst, Karla Neumeyer, Silvia von Pock,
Claudia Sarnthein, Sarah Thibault, eingeladen von Susanne Ring
Eröffnung am Freitag, den 26. Oktober 2018 von 19 – 22 Uhr
27. Oktober 2018 – 17. November 2018
Pale Shelter · Tears for Fears
How can I be sure?
When your intrusion is my illusion
How can I be sure
When all the time you changed my mind
I asked for more and more
How can I be sure
When you don't give me love (You gave me pale shelter)
You don't give me love (you give me cold hands)
And I can't operate on this failure
When all I want to be is
Completely in command
How can I be sure
For all you say you keep me waiting
How can I be sure
When all you do is see me through
I asked for more and more
How can I be sure
When you don't give me love (You gave me pale shelter)
You don't give me love (you give me cold hands)
And I can't operate on this failure
When all I want to be is
Completely in command
I've been here before
There is no why, no need to try
I thought you had it all
I'm calling you, I'm calling you
I ask for more and more
How can I be sure
When you don't give me love (You gave me pale shelter)
You don't give me love (you give me cold hands)
And I can't operate on this failure
When all I want to be is
Completely in command
You don't give me love
You don't give me love
You don't give me love
You don't give me love
You don't give me love
You don't give me love
Songwriter: Roland Orzabal
Odradek
mit Arbeiten von Michael Bause, Harriet Groß, Myriam el Haïk, Charlotte Mumm,
Carsten Sievers und Francis Zeischegg
Eröffnung am Donnerstag, den 27. September 2018 um 19 Uhr
Zusätzliche Öffnungszeiten während der Berlin art week
Freitag 28.09 – Sonntag 30.09.2018, 13 – 16 Uhr
28. September 2018 – 20. Oktober 2018
„Wenn das Sinnlose das Sinnvolle überlebt, wird das Sinnvolle sinnlos“ - ist diese Lesart der seltsamen Figur des Odradek aus Franz Kafka's Erzählung „Die Sorge des Hausvaters“ nicht auch eine Metapher für den Zweifel am Sinn selbst in unserer agitierten, von Unbeständigkeit in sozialen, geopolitischen und territorialen Fragen geprägten Welt – oder ist Odradek nicht auch eine Chiffre für den aktiven,immer unabgeschlossen bleibenden Vorgang des kreativen Prozesses? Odradek wäre damit keineswegs der fertige Gedanke, das abgeschlossene Werk, sondern das sich immer wieder entziehende, bewegliche, erst zu findende Werk. Dem abwesenden Phänomen Odradek also, auf dass sich die von Harriet Groß eingeladenen Künstler von unterschiedlichen Ausgangspunkten aus eingelassen haben, wird mit den Arbeiten und den daraus entstehenden Bezügen in dieser Ausstellung eine mögliche Form von Sichtbarkeit gegeben.
Michael Bause unternimmt in seiner Malerei, ausgehend von reiner Farbwirkung, ihrer Ausdehnungund ihrer Materialität, sensibel den Versuch Vernetzungen und Bezüge in ihrer Vielfältigkeit allein durch den Prozess des Malens in einer erstaunlichen Weise
vorstellbar werden zu lassen. Oberflächen scheinen verschlossen, fast abweisend und ziehen den Betrachter zugleich in die Fläche hinein. Der Wechsel und das
Ineinandergreifen von opaken mit lasierenden Elementen, von frei floatenden und fixiert scheinenden Objekten, lässt Räume in einer fast haptischen Qualität
sich öffnen und auch wieder
verschwinden.
Reduzierter im Medium greift die französische Zeichnerin, Komponistin und Performerin Myriam el Haïk ihre marokkanischen und europäischen Wurzeln auf,und nähert sich ausgehend vom System der arabischen Sprache und deren Grundelementen dem Prozess mit
repetitiven Notationen an. Sie erzeugt mit ihrer Wandzeichnung auf der starren Struktur des Untergrundes eine wunderbare vibrierende, atmende Fläche, die wie
die Deutungen dieses eigenartigen Wesens Odradek, unendlich weitergehen könnte ohne je in ihrer Form festgesetzt zu sein.
Ebenso wie sich keine eindeutige Zuordnung dieses Namens im sprachlichen Raum vollziehen lässt, stellt sich diese Frageauch in
seiner Gestaltfindung, die sich in den ungewöhnlichen Bildern von Charlotte Mumm herauslesen lässt. Die Unentschiedenheit der Figur zwischen
Objekt und Subjekt zeigt sie auf kluge Weise mit dem Oszillieren zwischen diesen beiden Formen von Lesbarkeit. Das Gewicht des Bildträgers Holz lässt an eine
scheinbare Verortung denken, zugleich widersetzen
sich die bemalten Fächen einer eindeutigen figurativ bzw abstrakten Zuweisung. Ihre Piktogramme und Zeichensetzungen fordern
nahezu den Widerspruch zur emotionalen Direktheit heraus ohne ihm auszuweichen.
Der Wunsch zu fokussieren, das sich Entziehende in den Blick zu zwingen, aber auch die Gefahr der Manipulierung unserer Blicke
und Interpretationen zeigt Francis Zeischegg in wunderbarer Weise. Ihre auf der Grenzfläche des Ausstellungsraumes aufgebrachten
Folien-Plots von Suchern analoger und digitaler Kameras und Zielfernrohren thematisieren die Blickmanipulation in dem von außen oder innen gesteuerten
Wahrnehmungsvorgängen unserer digitalisierten Zeit. Wo ist im Fall des Ausstellungs-raumes der öffentliche, wo beginnt der private Raum? Der Vorübergehende
kann sich die verschiedenen Lesarten Odradeks in den Fokus nehmen oder auch als Besucher der Ausstellung den Blick durch die Brille der gerade
gewonnenen Eindrücke auf den öffentlichen Raum richten.
Gehen wir von den Prozessen aus, die sich in vielen unserer täglichen Gedankenreflexionen vollziehen, findet Carsten Sievers dafür eine starke, sehr eigene Ausdrucksform. Durch ein Wiederholen einer Tätigkeit, wie Kafkas immer wieder neu
ansetzendem Schreibvorgang, entsteht bei ihm mit der Form des Faltens und Übereinanderlagerns ein ruhiges, in seiner Art doch aufregend schönes Tableau. Die
verschiedenen Arbeitsprozesse und Ausformungen seiner häufig in fortlaufenden Serien entstehenden Arbeiten, zeigen überall Elemente seines grundsätzlichen
Interesses an weitestgehender Vielfalt bei
minimalistischem Formenvokabular. Weniger dem genialen Einfall geschuldet als dem Konzept der Wiederholung folgend, ermöglicht
er sich damit ein Einkreisen und wieder Freilassen von Ideen.
Harriet Groß greift mit ihrer Installation die gegenläufige Bewegung von Zeigen und Verbergen, das komplexe Spiel von Anwesenheit und Abwesenheit, vom Sichtbarwerden eines Unsichtbaren auf. Unser Wunsch nach Strukturierung, Abgrenzen oder Definieren löst
sich in den Zwischenräumen, im Flur, im Treppenhaus, im Gang, den eigentlichen Aufenthaltsorten Odradeks, auf. Hier ist alles in Bewegung, es fließt, Grenzen
verschieben sich, Ordnungen weichen auf. Das Konzept des Abwesenseins lässt etwas Schwebendes zu, weil es keine endgültige, substanzielle Konturierung der
Dinge erzwingt.
So überlebt vielleicht doch nicht das Sinnlose das Sinnvolle oder das Sinnlose erscheint nur sinnlos.
Harriet Groß, 2018
über Malerei
mit: Ulrike Buhl, Jessica Buhlmann, Isabel Kerkermeier, Maja Rohwetter
Eröffnung am Freitag, den 24. August 2018 um 19 – 22 Uhr
25. August 2018 – 15. September 2018
Über Malerei reden, das hat keinen Sinn. Indem man mit der Sprache etwas vermittelt, verändert man es. Man konstruiert solche Eigenschaften, die gesprochen werden können, und unterschlägt die, die nicht ausgesprochen werden können, die aber immer die wichtigsten sind.1
Eine vielzitierte Aussage, die auch im 21. Jahrhundert ihrem Kern nicht verliert – trotz (oder gerade wegen) der Digitalisierung ist Malerei auch in vielen anderen Medien präsent, oft als
Reflexion über sich selbst. Die malerische Faszination einer Sache ist oft ein zentraler Anziehungspunkt einer künstlerischen Arbeit, dem man sich annähern möchte – sei es diffus, emotional,
intellektuell oder von allem etwas.
Dass wir nicht unmittelbar mit den Augen malen! Auf dem langen Wege, aus dem Auge durch den Arm in den Pinsel, wieviel geht da verloren!2
Heute könnte man überlegen: auf dem langen Wege vom Auge durch den Arm zur Maus zum Computer zum Drucker, wieviel geht da verloren - könnte man nicht unmittelbar mit der Hand malen…? Oder: was
gewinnt man hinzu?
Ulrike Buhl, Jessica Buhlmann, Isabel Kerkermeier und Maja Rohwetter zeigen aktuelle analoge Arbeiten, die sich teilweise mit der Digitalisierung auseinander setzen, von ihr beeinflusst sind oder
selbstverständlich damit umgehen.
Die Bilder, Skulpturen und Objekte der vier Künstlerinnen befragen und kommentieren die nicht in Sprache fassbaren und nicht digital herstellbaren Eigenschaften von Malerei.
Gabriele Künne
1 - Gerhard Richter, Notizen 1964 - 1965
2 - Gottfried Ephraim Lessing, Notizen 1772
Satellit # 8 „import | export“ produzenten | galerie aus Dresden zu Gast bei Axel Obiger
mit Arbeiten von: Manja Barthel, Gilbert Brohl, Steffi Engelhardt, Antje Guske, Thorsten Groetschel, Andreas Hildebrandt, Amelie Hüneke, Ulrike Mundt, Lucas Oertel, Wieland Payer, Cornelia Renz,
Simon Rosenthal, Heinz Schmöller, Tilmann Walther und Gerard Waskievitz
Eröffnung am Freitag, den 20. Juli 2018 von 19 – 22 Uhr
Es spricht Dorothée Bauerle-Willert
21. Juli 2018 – 11. August 2018
IMPORT//EXPORT – ist ein Austausch zwischen den beiden von Künstlenr betriebenen Räumen produzenten | galerie aus Dresden und Axel Obiger aus Berlin.
Angebot und Nachfrage werden im Warenhandel mit Importen und Exporten beantwortet und generiert. Die geographischen und soziografischen Unterschiede spielen dafür eine wesentliche Rolle. In
diesem Projekt kuratiert jeder Raum aus den künstlerischen Positionen des anderen Raums eine Ausstellung und erschließt so neue Bezugsfelder, Diskusionsräume, Interessenten, Konsumenten.
farbfluidum
Enrico Niemann und Elisabeth Sonneck
Eröffnung am Freitag, den 08. Juni 2018 um 19 Uhr
Finissage am Samstag den 14.Juli 2018 von 18 – 21 Uhr
09. Juni 2018 – 14. Juni 2018
Während unserer Sommerpause bleibt farfbluidum für Sie durch unser Schaufenster
sichtbar bis zum 14.07.2018. Schöne Sommeraussichten !
Finissage am Samstag den 14.Juli 2018 von 18 – 21 Uhr
farbfluidum
Die Arbeiten von Enrico Niemann und Elisabeth Sonneck bewegen sich auf sehr unterschied- liche Weise an der Schwelle zwischen Zwei- und Dreidimensionalität. Fluidität kennzeichnet dabei nicht nur
die beiden Arbeitsweisen, ablesbar in Elisabeth Sonnecks vielfach geschichteten, teils minimal versetzten, freihändigen Pinselzügen oder bei den zu Farbkrusten und -verläufen erstarrten Rinnsalen
von Enrico Niemanns malerischen Prozessen, sondern auch die Farb- erscheinung, die bei beiden einen großen Reichtum an ineinander wirkenden Nuancen zeigt.
Die Räumlichkeit der Malerei ergibt sich auf nahezu konträre Weise in beiden Positionen:
Enrico Niemann nutzt in seiner Arbeit konstruierte Formen, um auf deren Oberfläche einen Acrylfarbüberzug zu erzeugen, der anschließend auf einen Papiergrund übertragen wird und damit die Spuren
dieses Entstehungsprozesses nachvollziehbar werden lässt.
Bei Elisabeth Sonneck geht die Körperbewegung mit der Farberzeugung und mit den später ortsspezifisch erarbeiteten, flexiblen Formen einher. Diese ergeben sich mit der Materialspannung der
Papiere, die, je nach Ort anders, präzise ausbalanciert werden.
Dementsprechend erlangt Farbe in Enrico Niemanns malerischen Objekten eine autonome, skulpturale Präsenz, hingegen leiten sich Elisabeth Sonnecks installative Formationen direkt aus den
räumlichen Charakteristika ab. Diese Divergenzen verorten Niemann und Sonneck in einem offenen Prozess im Ausstellungsraum Axel Obiger, dessen Durchdringung mit Farbflächen ihn zu einem fluiden
wie auch fragmentarischen Gesamtfarbraum werden lässt.
Niemanns Techniken zeigen ein Interesse am inneren strukturellen Aufbau der Farbschichten, doch noch vielmehr ist es das Spiel der changierenden Farben an der gefalteten, immer wieder gebrochenen
Oberfläche, das den Blick des Betrachters zur Bewegung zwingt. In einigen neuen Arbeiten wird dieser Blick in den Innenraum des Objektes, beinahe introspektiv, gelenkt, so dass sich ein
verdichteter, stets wandelbarer Farbraum bildet.
In ihren Farb-Installationen bezieht Elisabeth Sonneck sich auf Besonderheiten des jeweiligen Raumes, auch scheinbar Nebensächliches wie Ecken, Alterungs- und Nutzungsspuren. Die gegenwärtige
Beschaffenheit wird zum Mitspieler der Farbsituation. Die Farbe wirkt dabei als emotionale Substanz - jeder Farbwert ist mit minimalen Differenzen wie schrägen Kontrasten angereichert - die mit
dem Raum fusioniert und ihn transformiert.
„Korrespondenzen“
Alke Brinkmann und Cristina Barroso
Eröffnung am Freitag, den 11. Mai 2018 von 19 – 22 Uhr
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Artist Talk mit Dorothee Bauerle-Willert am Samstag, den 02. Juni 2018 um 17 Uhr
im Anschluss Finissage und Party 18 – 21 Uhr
Opening on Friday, the 11th of May 2018 at 7 pm
An exhibition catalog will be available.
Artists talk with Dorothee Bauerle-Willert on Saturday, June 2nd at 5 pm
Closing reception and party 6-9 pm
12. Mai 2018 – 02. Juni 2018
Korrespondenzen
Dem Knaben, der an Karten und Stichen Freude hat,
Scheint das Universum wie sein Verlangen grenzenlos.
Ach! Wie ist die Welt so groß beim Schein der Lampen!
In den Augen der Erinnerung ist die Welt so klein!
Charles Baudelaire: Die Blumen des Bösen
Korrespondenzen versöhnen nicht, sondern bringen Extreme zur Anschauung.
Die visuellen Korrespondenzen der Künstlerinnen Cristina Barroso und Alke Brinkmann eröffnen ein irritierendes, turbulentes
Wechselspiel von ferner Nähe, naher Ferne, von verschiedenen Blickebenen, von Zeiten und Räumen, von Unterschieden und Gemeinsamkeiten, beide Künstlerinnen
finden Bilder, die die Grenzen des Sichtbaren ausloten und neu verorten. Differenziert und wagemutig formen diese
Arbeiten weiter, was die Menschheit seit Anbeginn versucht: irdische und kosmische Gesetzmäßigkeiten und die Beziehungen zwischen Mikro- und Makrokosmos zu
entdecken. Cristina Barroso und Alke Brinkmann sind Forscherinnen in Zwischenreichen, zugleich spielen sie souverän mit
Farbe, mit der zeichnerischen Linie, mit Materialien und Bildträgern – und beim Betrachten der vielschichtigen Arbeiten geraten wir in Bildgefilde „die
untereinander irgendwie zusammenhängen, die zwischen heute und einigen tausend Jahren früher irgendwo zu Hause sind.“1
Die beiden Künstlerinnen unternehmen Reisen in die Raum-Zeit, in Vergangenheit und Zukunft, in die Geschichte und das
Gedächtnis der Welten und spannen in ihrer künstlerischen Reflexion „die uns mit der Welt
verknüpfenden Fäden auf, um sie erscheinen zu lassen.“2
Bilder sind mobil und mobilisierend. Sie durchqueren und organisieren Orte3 und eben darin besteht ihre raumbildende Praktik. Zugleich durchwandern die Bilder und Bildvorstellungen auch die subjektiven Geschichten, sie kommen von weit
her, sie überschreiten kulturelle Räume, überkreuzen die Grenzen von Natur und Kultur, von Anthropologie und Mythos. Bilder sind aber immer auch
Recherche der künstlerischen Medien, die sie jeweils in neuem Gewand einsetzen, im Spiel und Widerspiel von Inhalt und
Form. (...)
Auzug aus dem Katalogtext von Dorothée Bauerle-Willert
[1] Robert Musil, Mann ohne Eigenschaften, Reinbeck bei Hamburg 1978, S. 113
[2] Maurice Merleau-Ponty, Phänomenologie der Wahrnehmung, Berlin 1966, S. 10
[3] Siehe dazu: Michel de Certeau, Kunst des Handelns, Berlin 1988, S. 215
Wir feiern die 100ste Ausstellung.
Axel Obiger
Alke Brinkmann, Thilo Droste, Juliane Duda, Harriet Groß, Katrin Hoffert, Gabriele Künne,
Josina von der Linden, Oliver Möst, Matthias Moravek, Enrico Niemann, Susanne Ring
und Maja Rohwetter
lädt Euch ein mit uns zu feiern.
Wir haben alle 300 KünstlerInnen der vergangenen 99 Ausstellungen eingeladen uns eine Arbeit im Format A4 zu mailen – und haben über 200 Einsendungen bekommen.
Eröffnung am Freitag, den 13. April 2018 von 19 – 22 Uhr
14. April 2018 – 05. Mai 2018
Finissage und Katalogpräsentation am Samstag, den 05. Mai 2018 von 19 – 24 Uhr
Matthäus Thoma, Jörn Gerstenberg, Dirk Krecker, Katja Sonnewend, Gereon Krebber, Harriet Groß, Susanne Ring, Oliver Möst, Bettina Cohnen, Sylvia Henrich, Sabine Hornig, Veronika Kellndorfer,
Andreas Koch, Sinta Werner, Maja Rohwetter, Denis Darzacq, Myrtia Wefelmeier, Stephanie Senge, Klaudia Stoll, Jaqueline Wachall, Christine Fenzl, James Sterling Pitt, Kirk Stoller, Mady-Alem
Akec, Radu Gladven, Yoto Mo, Paul Shefter, Robert Wilschatt, Katja Bilo, Dorothee Berkenheger, Knut Eckstein, Alke Brinkmann, Katrin von Lehmann, Hansjörg Schneider, Ralf Bittner, Martin Eberle,
Wolfram Hahn, Vadim Schaeffler, Gabriele Künne, Anita Kapraljevic, Josip Mijic, Cristina Rodrigo, Friederike Ruff, Yuri Englert, Joulia Strauss, Aleksandar Nesic, Andrej Glusgold, Ursula Böhmer,
Katrin Hoffert, Andreas Greiner, Iris Musolf, Albrecht Noack, Frank Peters, Ina Sangenstedt, Enrico Niemann, Jana Slavik, Andrea Wilks, Stephen Wilks, Betty Böhm, Brice Bourdet, Harald
Hofmann, Nana Kreft, Abe Rechterschot, Katharina Moessinger, Oliver Schmidt, Tian Tian Wang, Tatjana Fell, Fernando Niño-Sanchez, Ulrich Schreiber, Juliane Zelwies, Matthias Moravek, Anthony
Werner, Norbert Artner, Ulrich Vogl, Stefka Ammon, Astrid Busch, Esther Ernst, Anne Gathmann, Annette Gödde, Stine Gonsholt, Kerstin Gottschalk, Franziska Hünig, Susanne Huth, Andreas Lang,
Dieter Lutsch, Anja Majer, Anke Mila Menck, Antonia Nordmann, Uta Päffgen, Katja Pudor, Anne Vorbeck, Claudia Weber, Robert Estermann, Michaela Tröscher, Andrea Übelacker, Marc Jung, Jens
Nordmann, Heike Gallmeier, Ute Ringel, Martin G, Schmid, Sabine Tress, Tim Trantenroth, Ludwig Bräutigam, Bettina Khano, Christl Mudrak, Alexa Kreissl, Kata Unger, Matthias Beckmann, Esther Horn,
Arnold Landen, Gabriele Worgitzki, Thekla Ehling, Norbert Wiesneth, Josina von der Linden, Masko Iso, Ivan Boškovic, Thomas Behling, Zuzanna Skiba, Franca Bartholomäi, Florian von Ploetz, Jan
Schwerdfeger, Cosima Göpfert, Julia Schimtenings, Bruno Lipp, Sandrine Mahéo, Kirsten Jäschke, Christiane Bergelt, Anne Brannys, Norbert W. Hinterberger, Astrid Menze, Selket Chlupka, Heather
Allen, Thilo Droste, Heike Hamann, Andrea Blumör, Vládmir Combre de Sena, , Heide Khatschaturian, Helmut Werres, Sabine Zimmermann, Jan Beumelburg, Gudrun Kenschner, Daniela Hoferer, Katia Kelm,
Michaela Meise, Silvia von Pock, Jehoshua Rozenman, Maria Schoof, Eva Wisbauer, Cornelia Wissel, Gloria Zein, Christoph Bangert, Thomas Brüggemann, Hans-Martin Asch, Henning Kappenberg, Jakob
Roepke, Isabel Kerkermeier, Simone Lanzenstiel, Catherine Lorent, Tom Früchtl, Roland Boden, Pauline Kraneis, Tim Stapel, Frank Diersch, Thorsten Futh, Nikola Irmer, Thierry Perriard, Hans-Peter
Stark, Andreas Trogisch, Edgar Zippel, Christoph Roßner, Sencer Vardarman, Barbara Müller, Klara Li, Peter Dobroschke, Philipp Hennevogl, Peter Hock, Manuel Frolik, Holger de Buhr, Juliane Duda,
Thomas Nitz, Jens Wohlrab, Roman Klonek, Kaisu Koivisto, Kristina Rutar, Benjamin Badock, Annedore Dietze, Chris Dreier, Tobias Heine, Michael Schäfer, Daniela von Waberer, Clemens Wilhelm,
Albert Braun, Marcus Lerviks, Oskar Lindström, Mika Hannula, Marikke Heinz-Hoek, Erika Plamann, Cordula Prieser, Stefan Geyer und Wanda Stolle
"es zieht vorbei"
Matthias Moravek und Wanda Stolle
Eröffnung am Freitag, den 16. März 2018 von 19 – 22 Uhr
Künstlergespräch, im Anschluss Finissage, am Sonntag, den 08. April 2018 von 17 – 21 Uhr
17. März 2018 – 07. April 2018
„Alles, was wir über die Sterne und über die Weiten und Tiefen des Kosmos wissen und in Zukunft noch werden erfahren können, kommt zu uns über das
Licht.“*
Ungefähr acht Minuten braucht das Licht der Sonne bis auf die Erde. Doch was, wenn es einmal ausbleibt? Für die Beobachtung des Himmels wurden in den letzten
hundert Jahren immer bessere, lichtstärkere und spezialisiertere Instrumente geschaffen. Trotzdem übersteigt etwa die Größe der Sonne und die Menge der in ihr eingeschlossenen Materie und
Energie ebenso wie die Gewalt der sich am Himmel abspielenden Phänomene, Veränderungen, Wirbel, Stürme und Orkane unsere Vorstellung-skraft. In der Ausstellung „Es zieht vorbei“ geht es jedoch
weder um astronomische Beobachtungen im wissenschaftlichen Sinn, noch um eine exakte Kartografie- rung des Weltalls und noch viel weniger um eine korrekte Wiedergabe von Himmels- oder
Wetterphänomenen. Vielmehr untersuchen Matthias Moravek und Wanda Stolle dieses Gebiet mit bildnerischen Mitteln. Gemeinsam ist beiden dabei ein Interesse an
atmosphärischen Bildräumen einerseits und klar begrenzten Flächen andererseits, die letztendlich nie ganz zu enträtseln sind. Beide beziehen sich zudem auf die Form der Banderole, deren
ursprüngliche Funktion als Kenn- zeichnung eines Territoriums ad absurdum geführt wird und so als Leerstelle zwischen den Momenten von Repräsentation und deren Negation fungiert.
Darstellungsmodi und deren Wahrnehmung – hier schließen sich Moravek und Stolle zusammen.
Matthias Moravek untersucht in seiner Malerei die bildnerische Darstellbarkeit von Wolken, Gebirgs-zügen, Ebenen, Dschungeln und Territorien, Landschaften im
weitesten Sinn also. Seine Arbeiten sind stark aus der Farbe gedacht und changieren dabei stets zwischen Figuration und Abstraktion. Einen Bezug zum Thema der Ausstellung bilden neben den
Wolkenstudien der „Sky Studies“ auch die Arbeiten „Tambora I & II“. Diese beziehen sich auf einen gleichnamigen Vulkan, der 1815 in Indonesien ausbrach und dessen Aerosole den Himmel über
Europa für drei Jahre lang verdunkelte und durch eine veränderte Lichtbrechung atmosphärische Farbphäno- mene erzeugte. Dies hatte nicht nur zahlreiche wirtschaftliche und politische
Konsequenzen, sondern beeinflusste auch die Bildende Kunst und die Literatur der Zeit. Die vulkanische Farbwolke wird in der Ausstellung sinnbildlich zum Ursprung von Moraveks Malerei. Matthias
Moravek ist seit 2017 Künstler bei Axel Obiger.
Wanda Stolle entwickelt ihre Arbeiten in dem Spannungsfeld von Skulptur und Zeichnung. Die großen Wandobjekte, in Form gezwungene Holzplatten, schälen sich als
überdimensionale, gewundene Bögen von der Wand und vermitteln Momente des Zeigens und Verbergens und befragen so die Wahrnehmung von Bildlichkeit. Die Ordnung verleihenden Linien der
Tusche-arbeiten, welche als strukturgebende Elemente die Zeichnungen durchziehen, erweisen sich bei näherer Betrachtung als in das Papier geschnittene Auslassungen. Sie sind Spuren eines
bildhauerischen Eingriffs auf der Fläche. Dem konstruktivistischen Charakter der Zeichnungen geht ein Akt der Dekonstruktion im Entstehungsprozess voraus.
Medium und Material werden zu gleichberechtigten Gestaltungsmitteln. Ausgangspunkt für die Entstehung der Arbeiten bildet die Sammlung von Abbildungen und
Fotografien – etwa Bilder von bildhauerisch ausgeführten Faltenwürfen, von Gesteinsformationen und astronomischen Aufnahmen.
Ziehen Sie nicht vorbei! Bleiben Sie stehen!
—-
* aus: „Das Weltall im Bild“, Hans Haffner, 1967
Satellit # 7 „Galerie des Westens“ Offene Systeme
mit Marikke Heinz-Hoek, Gabriele Künne, Erika Plamann,
Cordula Prieser und Maja Rohwetter
Eröffnung am Freitag, den 16. Februar 2018 von 19 – 22 Uhr
17. Februar 2018 – 10. März 2018
Ein dampfender Kochtopf, ein gefrorener Fisch in der Sonne…ursprünglich aus der Thermo-dynamik stammend, wird ein System als offen bezeichnet, wenn an seinen
Schnittstellen hin- sichtlich einer seiner Kategorien ein Austausch stattfindet, dessen Energiebilanz ungleich null ist.
In der Informationstechnik wiederum versteht man unter einem offenen System eine Systemum-gebung, die durch offene Schnittstellen Interoperabilität, Portabilität
und Erweiterbarkeit sichert.
Diese Ausstellung öffnet eine Schnittstelle für den Austausch zwischen den Systemen „GaDeWe (Galerie des Westens) Bremen“ und „Axel Obiger Berlin“.
Interoperabilität, also die Fähigkeit zur Zusammenarbeit von Systemen, kann durch gemeinsame Standards gesichert werden. Interoperabilität kann aber auch die Fähigkeit unabhängiger heterogener Systeme sein, möglichst nahtlos zusammenzuarbeiten ohne vorherige Absprachen.
Dabei muss sich Interoperabilität nicht auf Informationsaustausch beschränken, sondern kann auch auf konzeptueller oder semantischer Ebene ansetzen.
In diesem Sinne zeigt die aktuelle Ausstellung die Interoperabiltät der zwei Systeme „GaDeWe" Bremen und „Axel Obiger" Berlin, die strukturell sehr
unterschiedlich funktionieren, sowie der jeweiligen künstlerischen Systeme der ausstellenden Künstlerinnen Marikke Heinz-Hoek, Cordula Prieser und Erika Plamann aus Bremen und Gabriele Künne und
Maja Rohwetter aus Berlin. Alle verfolgen innerhalb ihrer eigenen sehr heterogenen Systeme eine Offenheit und Durchlässigkeit hinsichtlich der Kategorien, in
denen die jeweilige künstlerische Arbeit sich bewegt. Absichtlich werden Erwartungen an ein Genre oder ein Material in Frage gestellt, um das System für Unerwartetes zu öffnen.
Marikke Heinz-Hoek legt in ihrer Videoarbeit durch die verändernde Wirkung der Erinnerung autobiografische Erinnerungsräume frei. Cordula Prieser
nutzt Teile von Alltagsmöbeln und grundlegende textile Techniken wie das Stricken zur Flächenerzeugung für die formale, inhaltliche und räumliche Erweiterung ihrer Skulpturen. Erika
Plamann arbeitet mit der Transformation von festgelegten Klischeefiguren aus Rollen eines gängigen Kitschbegriffs in wächsernen Figurationen an der Grenze zur Abstraktion.
Gabriele Künne wählt für ihre keramischen Plastiken statt traditionellem Modellieren das Falten und Bearbeiten glatt ausgerollter Flächen, die beinahe
industriell wirken. Die einseitige Glasur suggeriert eine Innen-und Außenseite; die Formensprache hinterfragt die keramische Form als Hohlkörper. In den Collagen von Maja Rohwetter
verbinden sich bekannte und unbekannte Formen auf unterschiedlichen Ebenen malerischer und digitaler Repräsentation. In den entstehenden Bildräumen gerät der Realtitätsbegriff ins
Schlingern.
Wir sind gespannt, welche Transfers von Wahrnehmung und Bedeutung zwischen den Exponaten entstehen und welche Erkenntnisse sich auch hinsichtlich der beiden Systeme
GaDeWe und Axel Obiger ergeben.
Seit 27.1. bis 2.3. ist in Bremen die Kooperationsausstellung „Leerende Gähne“ mit den Axel Obiger- Künstlern Harriet Groß, Thilo Droste und Matthias Moravek und
dem GaDeWe- Künstler Michael Wendt zu sehen
Satellit # 6 „ZURÜCKBLEIBEN!“
finnfemfel: Albert Braun, Marcus Lerviks, Oskar Lindström / Gast: Mika Hannula
Eröffnung am Freitag, den 12. Januar 2018 von 19 – 22 Uhr
13. Januar 2018 – 10. Februar 2018
Die Ansage „Zurückbleiben!“ irritiert.
Besonders für ausländische Berlin-Besucher ist sie unverständlich und gerade deshalb einprägsam. Für Muttersprachler hat das Wort „zurückbleiben“ eine eindeutig negative Konnotation – man bleibt
zurück, die anderen fahren, oder man wird zurückgelassen, kann nicht mithalten, ist überflüssig, zurückgeblieben?
Umso merkwürdiger, dass man zu so einer passiven Tätigkeit aufgefordert wird, früher von den Zugabfertigern live und recht barsch, heute mit einer neutral bis sexy klingenden entschärften Stimme
vom Band und dem Zusatz „Bitte“.
Die S-Bahn Berlin reagiert damit nach eigener Aussage auch auf „eine zunehmende Risikobereitschaft, „um jeden Preis“ den bereits abgefertigten Zug noch zu erreichen.“
Die rot aufleuchtende Lampen über den Türen und der berühmte S-Bahn-Dreiklang allein reichen da wohl nicht. Geht es vielleicht gar nicht um Fakten, nicht darum einzusteigen, nicht darum, dass
sich Türen schließen, sondern um das Zurückbleiben als Handlung, als Haltung,
als Gefühl?
Über diese kurze Ansage kann man viel nachdenken. Über Sozialdarwinismus, das Scheitern an der großen Stadt (oder der großen Stadt selbst), preußischen Gehorsam, Globalität und Lokalität,
Beförderungsbedingungen...
Das organisierte Chaos in dieser Ansage ist Teil des Berlin-Gefühls, es bietet den lebens-notwendigen Spielraum für Ambivalenzen, der durch das destruktive Chaos des politischen Populismus immer
kleiner zu werden droht.
In Hamburg wurde die Ansage 2014 abgeschafft, Berlin behält sie bei.
Wahrscheinlich gerade weil sie so schön uneindeutig ist wie die Stadt selbst.
Für diese Austellung hat Axel Obiger die finnische Künstlergruppe finnfemfel eingeladen.
finnfemfel versteht sich als eine Plattform für die Zusammenarbeit der Mitglieder und eingeladener Gäste an gemeinsamen Projekten, oft über große geografische Entfernungen hinweg. Ideen
werden kooperativ entwickelt, organisiert und realisiert; daher sind die Ergebnisse nicht als individueller Ausdruck zu sehen.
Die Projekte sind entweder Simulationen oder basieren auf erzählerischen Aspekten, aber sie enthalten immer groteske, fiktive, dokumentarische und humorvolle bis komische Elemente.
Unterschiede, die aus der jeweiligen künstlerischen Praxis und der geographischen Verortung der Mitglieder herrühren, bereichern als positive Faktoren die Projekte von finnfemfel.
Maja Rohwetter, 2018
english version
The announcement “Zurückbleiben!” (Stay back!) is irritating. Especially for foreigner visiting Berlin, it is incomprehensible and therefore catchy. For native speakers, the word “zurückbleiben” has a clearly negative connotation – you stay behind, others go, or you’re left behind, can not keep up, you’re superfluous, retarded?
It is very strange that you are ordered to such a passive activity, earlier live and very harsh by a supervisor, today by a neutral and sexy-sounding defused recording and with the addition “Please”.
By their own statement, the S-bahn in Berlin try to prevent the commuters “increasing willingness to take risks” at any price “to catch already departing trains.” The red flashing lights over the doors and the famous S-bahn sound-triad alone are surely not enough. Perhaps it’s not all about the facts, not about getting involved, not about the closing doors, but about being left behind as an action, an approach, a feeling?
This announcement give you many things to contemplate about. About social Darwinism, the failure of the big city (or the big city itself), Prussian obedience, global and local, transport conditions… The organized chaos in this announcement is part of the Berlin feeling, it provides the vital space for ambivalences that threatens to become smaller and smaller through the destructive chaos of political populism.
In Hamburg, the announcement was abolished in 2014, Berlin keeps them.
Probably because it is as ambiguous as the city itself.
For this show Axel Obiger has invited finnfemfel to reallise a project in our space.
finnfemfel is a joint platform for the individual and invited members for collective projects.
Ideas are developed, organised and realised through collaboration; thus the results cannot be seen as individual expressions.
The projects are either simulations or are based on aspects of narrative, but they still contain grotesque, fictive, documentary and humorous/comic elements.
Differences that result from the members’ own artistic praxis and
geographical distribution are positive factors that enrich our projects.
(A free translation of Maja Rohwetters text for Axel Obiger)